Julien Scavini

Voeux 2016 et une fiche de lecture

11 janvier 201611 janvier 2016Julien Scavini4 commentaires

Chers ami(e)s,

je tiens à vous souhaiter une excellente année 2016, pleine de joies personnelles et professionnelles. Puisse ce dessin de Stiff Collar apporter sa petite pierre d’élégance heureuse en ce début d’année !

bonne année 2016

Pour ma part, je vais essayer de vous apporter une semaine sur deux un billet d’amusement sartorial, léger ou plus érudit suivant l’inspiration. Sachez que dans le Figaro Magazine, chaque samedi, j’ai l’honneur de publier un billet également ! D’où un emploi du temps chargé. Maintenons comme dit la devise !

J’aimerais maintenant et à l’instar de l’année dernière, vous faire le résumé d’un très beau livre lu entre Noël et Nouvel-An. Il s’agit d’un ouvrage en langue anglaise, écrit en partie par Bruce Boyer, publié en 2014 aux Yale University Press et titré :

Elegance in an age of crisis : fashions of the 1930’s.

« En dépit de la rudesse du climat économique des années 30, cette décade vit naître au sein de la mode de grandes innovations techniques et esthétiques. De nouvelles avancées dans l’art tailleur à Londres et à Naples faisaient écho à des percées Parisiennes, New Yorkaises ou même Shanghaiennes quant aux techniques de réalisation du drapé. N’oublions pas qu’Hollywood eut aussi un rôle à jouer quant à l’institutionnalisation et la diffusion de ce style si glamour. La mode fût internationale pour ce vêtement qui est plus léger, aux ornements minimalistes et élégamment proportionnés, qui tranche avec le vestiaire restrictif de la précédente ère Edwardienne. Par contraste, la mode des années 30 est celle du mouvement, et dévoile un corps idéalisé et naturel, fantasmé des canons de sculpture classique, qui en sont les influences artistiques première. »

C’est avec cet avant propos que s’ouvre ce livre, et cette idée que le vêtement, masculin, comme féminin, se libère de l’influence Edwardienne dont il était prisonnier. Cette libération vestimentaire est perçue comme issue du Jazz, dans une époque méconnue et coincée entre deux guerres, qui est ici assez poétiquement décrite comme la plus vibrante et tonitruante du XXème siècle.

Ce changement est esthétique, mais aussi technique, dans un climat schizophrène de banqueroute ahurissantes et de fêtes frénétiques où aboutit, selon Boyer, la première forme de notre vêtement contemporain.

Elegance in a age of crisis est un ouvrage assez dense, de deux cent quarante huit pages, dont une soixantaine concerne le vestiaire masculin, sous le titre du chapitre rédigé par Bruce Boyer, Tailoring the New Man : London, Naples, and Hollywood in the 1930s. Ces pages concernent la mode principale dans le costume masculin durant les années trente : la Drape Cut, ou London Cut. Boyer en distingue deux écoles, fortement opposées, l’école anglaise, représentée par Savile Row, et l’école Napolitaine, par le duo Rubinacci et Attolini. Ces deux écoles sont aussi mises en parallèle avec l’influence du cinéma américain qui participe à diffuser –jusqu’à la caricature- leurs canons.

La véritable richesse de l’ouvrage est en réalité de présenter une iconographie très dense (en partie photographiée ci-dessous), assemblant des photographies issues du cinéma américain, des illustrations d’Apparel Arts et, grande nouveauté pour ce genre d’ouvrage, de photographies de vêtements anciens, ce qui est très appréciable : le lecteur peut comparer l’idéal dessiné et la réalité technique.

Il est toutefois à noter que ces vêtements sont issus de musées et collections privées, et ne présentent que des tenues provenant des grands noms de l’époque : ici ne sont pas présentés les vêtements du commun. C’est un parti prit de l’auteur, qui désigne les grands tailleurs comme les révolutionnaires cachés des garde-robes.

Au fil des pages, l’on découvre deux habits, une robe de chambre, une jaquette, deux vestes de fumoir, une veste et un frac de chasse, un spencer brodév, un ensemble de plage, un smoking, deux complets trois pièces de sport, un veston de ville, une veste Norfolk, trois manteaux croisés et deux vestes napolitaines en lin, aux montages d’épaule très édifiant.

Men’s clothing History

Bruce Boyer ouvre son chapitre par un rappel historique : vers 1900, et avec l’accroissement du sport, domine dans les vestiaires le lounge suit, veste courte, gilet et pantalon –l’ancêtre de notre complet, dont l’usage est d’abord réservé aux activités sportives, puis qui ne s’y restreint plus au XXème siècle. Toutefois, cet ancêtre de nos vestes est coupé droit, en forme de « sac », sans pinces pour fabriquer une silhouette. Ces expérimentations sartoriales se feront durant les années 30, en Europe, à Londres et à Naples, donnant naissance aux écoles de coupes contemporaine.

London’s Savile Row

L’auteur commence ainsi par parler de Savile Row, qu’il décrit comme l’agrégat le plus concentré de tailleurs dans le monde où les techniciens s’inspirent du vestiaire militaire et d’où fut tirée la méthode de coupe en « drapé ». Cette technique est conçue dans le but d’améliorer la silhouette masculine, non pas par la flamboyance des couleurs et des textures, mais par la technicité. Ce besoin de modeler la silhouette des hommes, de la viriliser est dans la directe lignée des fantasmes du corps à l’antique, et vanté par les loisirs sportifs que la classe moyenne occidentale bourgeonnante découvre et idéalise. Les canons esthétiques se définissent alors par de larges épaules et une taille resserrée, incarnés au cinéma par la figure des Tall, dark and handsome (grands, bronzés et beaux) qu’étaient les Douglas Fairbanks, Gary Cooper et Rudolph Valentino. Au corps bourgeois à l’embonpoint dont la courbe dessinait l’alibi moral et une assise sociale, se substitue le corps bronzé par le soleil et musclé par le boating, le tennis ou le golf…

Drape cutting

A ce bouillonnement culturel et à l’émergence de nouveaux modèles, la coupe s’adapte. Boyer rappelle la paternité de la Drape Cut à Frederick Scholte, formé à la coupe de vêtements militaires, qu’il adapte au vestiaire civil. S’inspirant des vestes portées par la Royal Household, il emploie et innove les méthodes de construction des manches, et agrandit en largeur les emmanchures pour fabriquer des dos plus larges, tout en gardant une silhouette équilibrée : c’est la naissance de cette silhouette massive, et musclée, qui deviendra l’essence de son époque. Ces modifications, Scholte en fait une méthode de coupe où il préconise d’ajouter plusieurs centimètres supplémentaires de tissu dans le montage d’épaule ; mais aussi d’insérer l’entoilage de la veste de biais. Cette manœuvre avait pour effet de rendre la poitrine de la veste plus souple tout en permettant plus de mouvement aux bras. Ensuite, il resserre la taille en ajoutant des pinces, de la poitrine aux poches ; il place le bouton de la taille un centimètre plus haut que de naturel, pour donner plus de profondeur à la poitrine. Pour contrebalancer la largeur des épaules par rapport à celle de la manche, il coupe cette dernière de la largeur du triceps : ainsi, la manche tombe droite sur le bras, donnant l’illusion d’une grande musculature. Enfin, quant à la partie inférieure de la veste (la jupe), il la resserre sur les hanches, et la préfère sans fente, pour une meilleure tenue et un effet plus cintré.

En émerge une silhouette aux épaules marquées, à la taille resserrée et aux hanches dessinées (par contraste). Cela sera la silhouette du beau idéal, adoptée par Edward VIII, qui contribuera à la rendre populaire, notamment sous le nom de London Cut, digérée et exagérée par le cinéma américain, puis connue et vendue, au début des années quarante, sous le nom d’American cut.

The Neapolitain School (déjà!)

Si la coupe anglo-saxonne provient uniquement du modèle londonien, la notion de coupe doit se penser au pluriel, dès lors que l’on franchit les Alpes. En effet, le morcellement politique et culturel transalpin implique aussi, pour l’auteur, un morcellement des modes.

Ainsi, Bruce Boyer distingue trois écoles de coupe italiennes, qui se concurrencent et se succèdent au XXème siècle. Durant les années 70-80, ce sera le Nord, par Armani, à Milan ; après la Seconde Guerre Mondiale, ce sera l’école Romaine et le Continental Look de Brioni ; et durant la fin des années 20, ce sera l’école Napolitaine, dont deux noms émergeront : Rubinacci, le premier, et son tailleur, Attolini. Bruce Boyer marque avec force les différences d’inspirations entre l’école anglaise et l’école italienne. Certes : toutes deux cherchent à rendre plus souple, plus confortable et moins compassé le complet ; mais si les anglais prennent pour modèle le champ du vêtement militaire, l’école napolitaine s’inspire, en revanche, des loisirs pour déconstruire le vêtement. La coupe napolitaine se distingue par des poches plaquées ; celle de la poitrine, inclinée, s’appelle la barchetta ; les épaules ont un pading minimum, voir absent, et sont cousues avec une couture inversée, comme pour une chemise ; la manche est dite mappina, froncée et cousue dans une emmanchure réduite à sa plus petite portion. Enfin, les vestes ne sont pas doublées, ce qui accentue cet effet déconstruit et léger, déjà en 1920 !

Sportswear

L’auteur traite aussi de l’apparition d’un vestiaire de sport technologique par l’arrivée du nylon, en 1924, que l’on utilise pour les maillots de bain, qui rétrécissent; mais aussi du jeans, empruntés aux cow-boys des films américains, premier vêtement de travail manuel qui entre dans le vestiaire comme objet de mode.

Conclusion

L’auteur conclut cette brève et pourtant essentielle période de la mode masculine en rappelant le découpage chronologique de Morris Dickstein. Pour ce dernier, les années trente finissent durant la New York World’s Fair de 1939-40 : c’est fin symbolique de la Grande Dépression et d’une décennie qui aboutit à un monde qui s’enfonce dans le nuage sombre du totalitarisme puis de la guerre. Nouvelle guerre qui fera naître encore de nouveaux vêtements militaires, plus modernes, adaptatifs et techniques. Nouveaux habits qui à leur tour incuberont durant les années 60 et 70 de nouveaux usages, voire d’un abandon petit à petit des vêtements des tailleurs. Tailleurs qui ouvrirent pourtant la voie. Mais qui ceci dit non pas encore dit leur dernier mot ! Bonne année !

Julien Scavini

Le costume marron

14 décembre 201516 décembre 2015Julien Scavini6 commentaires

Au début du blog, un costume marron était pour moi en tweed, uni ou petit motif genre chevrons. Car costume marron signifiait costume de campagne, trois pièces qui plus est. Avec le temps, je deviens moins ayatollah et pour avoir réalisé bien souvent des costumes de ville marron, je suis amené à réviser mon jugement.

Si l’on est tout à fait anglais dans son amour des beaux vêtements, il apparait comme totalement incongru de porter du marron en ville. Mais, tout évolue et le port de souliers en cuir marron s’est depuis longtemps répandu, même parmi les plus anglophiles. Il est vrai qu’un beau costume de flanelle gris s’accommode délicieusement de chaussures en veau-velours.

Un costume de laine légère et lisse, type super 110 s’accorde dans mon esprit beaucoup moins de souliers marron, mais c’est pourtant un usage maintenant très répandu. Il suffit de regarder dans le métro, le nombre de messieurs portant des souliers marron avec un costume marine ou gris est aussi important que ceux portants des souliers noirs. Il est pourtant plus difficile de garder des souliers marron en bon état. Passons.

Pour ma part, je suis plus amateur d’une unité de couleur dans la tenue. C’est pourquoi au fil des mois, je me suis dit que quitte à porter des souliers marrons avec un costume, un modèle également marron apparaissait comme pas idiot. (Même je ne me vois pas franchir le pas). Je préfère clairement l’unité de couleur costume et souliers marron plutôt que costume gris moyen et souliers marron.

Ce sentiment s’est renforcé car j’ai tous les jours des exemples sous les yeux : mes clients. Et certains m’ont commandé des costumes en laine fine marron. Il y a les marron fils à fils mêlés de noir, très élégant et sobre, ainsi que des teintes plus claires, comme le marron feuille de tabac, toujours superbe. Vous voyez ci-dessus une palette de différents marrons avec quelques carreaux (mais pas de rayures!), glanés ici et là dans mes liasses de tissus.

A4 Portrait _ Master Layout

Le fait est que ce n’est pas incongru. C’est même joli et je pense assez versatile. Car ce costume peut très facilement être dépareillé. Une veste marron est très sport et un pantalon marron va avec tout le week end, vert, rouille ou bleu marine en haut.

Stiff Collar est assez arque-boutés sur les principes, un peu edwardien en sommes, à la différence des commentateurs stylistiques des années 20. Durant les années folles, il y avait une bien plus grande liberté quant aux couleurs. La série Boardwalk Empire nous montre cela de manière édifiante. Le marron était alors plus volontiers porté. Et le marron de ville pouvait avoir des rayures. Ce qui vous l’avouerez est un mélange tout à fait curieux. Curieux, car rayure = ville et carreau = campagne. Comme le marron = campagne, marron ≠ rayure. Et pourtant ils le faisaient. Certes pas toutes les classes de la population, mais c’était possible.

De nos jours, ces tissus marron un peu typés ne sont pas légions. Seul Vitale Barberis avec ses draps ‘vintage suiting’ (présentés il y a quelques temps par Parisian Gentleman) propose une telle offre. J’ai fait quelques scans de la liasse que j’ai. Vous avouerez qu’il y a des choses ravissantes non?

Je vous souhaite une belle semaine, Julien Scavini.

Les smokings

7 décembre 20159 décembre 2015Julien Scavini12 commentaires

Revenons au smoking cette semaine, autrement appelé en anglais ‘dinner jacket’ et en américain ‘tuxedo’. J’ai titré cet article Les smokings au pluriel tant les possibles sont nombreux sur cette pièce a priori restrictive en terme d’inventivité.

Pour faire suite à la semaine dernière, rappelons que le vêtement est plus récent que la queue de pie. Il fut inventé vers 1880, par Henry Poole, le tailleur du prince de Galles de l’époque, le futur Edouard VII. Il permettait de remplacer efficacement la queue de pie lors des dîners du soir plus décontractés. Cette nouveauté de mode correspond du reste à l’engouement pour les vestons courts, qui à la même époque connaissent un véritable essor, poussé par la pratique des activités en plein air.

Ceci dit, ce premier et royal ensemble du soir moins formel que la queue de pie était une veste de soie bleu, assez proche d’une veste de fumoir en velours, avec le pantalon correspondant (ci dessous en bleu). D’une certaine manière cet attelage apparait assez osé, même aujourd’hui.

ILLUS90-1

Il convient ici de bien comprendre la nuance anglaise entre dinner jacket et smoking jacket. Le premier, noir ou marine et très codifié est traduit en France par le mot ‘smoking’. Et la smoking jacket est traduit ‘veste de fumoir’ (ci dessus en fushia). Ce sont deux choses différentes. L’un est une tenue de haut en bas, y compris chemise et chaussures, alors que l’autre est une juste une veste que l’on enfile après avoir retiré sa veste (de smoking ou de queue de pie) pour aller au fumoir. Les odeurs ne restent pas imprégnées dans le tissus de la veste d’apparat. Toujours est-il qu’à l’origine, la frontière entre le smoking et la veste de fumoir est floue.

Le moniteur de la mode de 1890 rapporte ce glissement sémantique : emprunté à l’anglais smoking, substif verbal de to smoke « fumer », utilisé pour smoking-jacket « veste pour fumer » désignant une veste d’intérieur, attesté dans des textes français (chez Bourget, 1888, ou Hervieu, 1890) et pris au sens de l’anglais dinner-jacket. On peut déduire que l’adoption du smoking fut très rapide : création en 1880 sur la base des vestes de fumoir existant depuis 1850. Entre 1880 et 1890, le smoking traverse la manche et le nom évolue déjà.

Le smoking s’est à la suite du Prince de Galles codifié plus finement pour aboutir au début du XXème siècle à la version que l’on connait : ensemble veste et pantalon (+ gilet le cas échéant) noirs. Les effets de style sont les mêmes que sur la queue de pie : galon le long du pantalon et revers de veste en soie, faille ou gros grain.

ILLUS90-3

Dans les années 10 et 20, la liaison avec la queue de pie était plus directe, gilets et papillons pouvant être ceux de la queue de pie, soit en coton marcella blanc (ci dessus à gauche). Après ils passent du blanc au noir vers les années 30 pour mieux faire la distinction de tenue. On sait par exemple que sur les cartons d’invitations, on écrivait ‘cravate blanche’ pour que les messieurs viennent en queue de pie. Imaginez le bazar si cette expression pouvait laisser planer le doute. Le smoking prit peu à peu le nom codifié de ‘cravate noire’, soit ‘black tie’ en anglais. Plus simple.

C’est dans les années 30 que le smoking actuel prit vraiment son allure actuelle et que la queue de pie commença sa longue agonie, voir mon article ici. Les trois formes classiques se figèrent à cette époque : veste droite à col pointe, droite à col châle et croisée. Le tissu était et reste le grain de poudre, autrement appelé ‘barathea’. C’est une serge complexe. Ce tissu peut être 100% laine ou un mélange de laine et mohair moins froissable dans les poids légers. Ceci dit, 400grs pour un smoking est bien, cela donne un tomber exceptionnel.

C’est un autre Prince de Galles, cette fois-ci le futur roi Edouard VIII (qui a abdiqué et fut appelé Duc de Windsor), qui a développé dans les années 30 un goût pour le drap bleu nuit. Il trouvait que la teinte sous lumière électrique était plus noire. Il est vrai que la laine grain de poudre du smoking apparait toujours comme un peu verdâtre. Cet effet de style en bleu fut apprécié aux USA et même des queues de pie furent coupées dans ce coloris. Je trouve cela difficile, car il faut trouver la bonne soie pour le revers (qui ne reste pas noir) et pour le papillon et la ceinture. Se pose aussi la question des souliers. Bref, c’est pas le plus simple, mais cela peut être très élégant.

ILLUS90-4

Depuis, une quantité de formes et de styles se sont succédé, les années 50 puis 60 apportant chacune son lot de curiosité et de tentatives.

Reste que le ‘foreign office‘ dans un livret à destination des diplômâtes anglais référence le smoking croisé comme le plus formel. Mais il y a quantité de vestes croisées de smoking : 2×1 bas ou 2×1 haut, 4×1, 6×1 ou 6×2 voire croisé châle, vous avez l’embarras du choix suivant votre goût!

Le smoking droit est peut-être plus apprécié en France, comme aux USA. Les aficionados d’un style très sharp préfèrent le col pointe mais pas mal de messieurs apprécient le col châle pour son côté passe partout. C’est une pure question de goût, je ne vois pas de rapport entre la hauteur ou la largeur du bonhomme et la forme du revers. Certains apprécient aussi le col large et d’autres le col étroit. C’est selon !

Classiquement, la veste n’a pas de fente. Ceci dit, ce vêtement est né pour être simple et coller au mieux au goût du moment. Il ne me semble donc pas incongru d’y faire deux fentes. Dans les années 10, on y faisait bien une fente!

Le gilet ne se porte plus guère et est remplacé par la ceinture plissée, le cummerbund, nom de provenance indienne. Le plis servent à disposer des contremarques de théâtre ou de vestiaire par exemple. Si vous optez pour un gilet, celui-ci sera plutôt évasé avec 3 petits boutons en bas, comme sur le gilet de frac. Le gilet peut avoir des revers ou non.

Le nœud papillon est enfin noir. Sans dérogation possible, c’est une cause d’excommunication sans droit de faire appel ! Pour le soulier, vous pouvez soit recourir à une paire de richelieus vernis ou simplement utiliser vos richelieus de la ville, bien cirés. Les puristes à l’ancienne aimeront le mocassin d’opéra, verni avec son nœud dessus. Enfin les accessoires métalliques comme les boutons de manchette ou les goujons de chemise sont dorés avec le smoking.

Concernant la chemise, il n’est pas forcément nécessaire d’avoir un plastron empesé, ni même d’avoir des boutons cachés. Si l’on veut que le smoking continue longtemps d’être porté, il faut aussi savoir le moderniser un peu dans des limites raisonnables. Je redis que le smoking est né pour être pratique. James Bond avec Sean Connery porte des boutons visibles et un col ‘italien’ et les illustrations d’Apparel Arts confirment cette tendance dès les années 30. Mon avis est donc que le col doit être moderne, c’est à dire retombant. Le col cassé est très élégant, oui ! Mais seulement s’il est dur et détachable. Les cols cassés mous et cousus à la chemise sont d’un goût très curieux. Après chacun balaye devant sa porte!

ILLUS90-5

Pour les plus aventureux, on peut enfin envisager d’autres versions de smoking. Si vous chinez une veste seule et qu’il est difficile de trouver le bon pantalon, vous pouvez opter pour le pantalon de tartan, une solution très en vogue ces temps-ci. Le smoking lui même peut être en flanelle noire pour jouer sur la matière. Ou la veste seule peut être en velours noire. Bref, il existe une multitude de solution.

A vous de jouer maintenant, faites vos jeux !

Belle semaine, Julien Scavini.

La queue de pie, passé et présent

30 novembre 20152 décembre 2015Julien Scavini20 commentaires

Avec les fêtes qui approchent, je voulais vous parler du smoking. Mais pour faire ça bien, j’ai décidé d’évoquer d’abord la queue de pie, son ancêtre. Ce faisant, j’ai tellement écrit que l’article est devenu autonome. Découvrons là ce jour avant de voir les différentes formes de smoking dans un prochain article.

Le forme de la queue de pie est un lien direct avec les vêtements de l’ancien régime, longs eux aussi. Les habits de dessus dès Louis XIV ont adopté une coupe évasée sur le devant et fuyante sur l’arrière pour une question de commodité à cheval. Dès cette époque, le triptyque justaucorps long, gilet moyen et culotte s’est mis en place. Le justaucorps a lui même évolué doucement. D’abord très évasé et ample, il devient sous Louis XVI plus fin, plus léger, presque ressemblant à une jaquette (en rouge dessous). Ce vêtement long et dégagé devant va continuer d’évoluer, notamment en Angleterre où la forme croisée va apparaitre, notamment avec le fameux Beau Brummell (en vert dessous). L’empire français reviendra sur la forme Louis XVI mais pas seulement.

ILLUS89-4

Pour suivre admirablement le cheminement cet habit long, il est intéressant de regarder tous les présidents américains depuis les origines (1789). Car d’un héritage franco-anglais très aristocratique, il va être le reflet, 4 ans par 4 ans de l’évolution stylistique. Il est d’autant plus représentatif que : 1- le rythme des successions ne fut pas troublé, que 2- ce sont des civils qui sont représentés, et non des militaires ou des princes en habits aristocratiques. Captivante épopée. Je ferai ce relevé un petit peu après Noël, cela s’annonce passionnant !

Enfin bref, revenons à la queue de pie. Celle-ci est reconnaissable à sa coupe en deux temps : corsage ajusté et basques décalées sur le côté et fuyantes. Cette coupe fut utilisée pour les vêtements de jour comme du soir de 1790 à 1850 environ, et souvent fermée devant voire croisée (comme dans le dessin vert). Passé 1850, la forme va se refermer pour le jour et donner 1- la redingote et 2- la jaquette, voir dessins ci-dessous. Les anglais appellent la redingote frock coat, à ne pas confondre avec le frac, qui en français désigne la queue de pie !

ILLUS89-5

Pour le soir et à partir de 1850 donc, la queue de pie va acquérir ses lettres de noblesse. Puisqu’elle devient exclusive du soir, elle devient noire. Sans exception. Certes dans les années 50 fut elle réalisée en bleu nuit, mais je trouve cela maladroit. Encore pour le smoking, cette fantaisie passe, autant pour une queue de pie, elle est incongrue.

Mais non contente d’être noire et unie, la queue de pie hérite de la fantaisie du XIXème siècle qui consistait à mettre des textures plus brillantes sur les revers. Ainsi une soie de revers fut plaquée, d’abord sous la forme de trottoir (voir dessin de la redingote) puis recouvrant le revers entier. Cette soie était tissée en faille (similaire à du satin mais un ton moins brillant) ou en gros grain (présentant des cotes en relief horizontales). Les boutons étaient le plus souvent brodés.

La queue de pie est appelée par les services protocolaires ‘cravate blanche’ ou ‘habit’. Les anglais disent ‘tail coat’, ‘white tie’ ou ‘full formal’. Le terme lui même est une ellipse de langage, car la queue de pie désigne la panoplie entière : la veste longue, le gilet très court et le pantalon. Détaillons les :

ILLUS89-1

La queue de pie en elle même est une veste qui ne se ferme pas. Exactement sur le même schéma que les justaucorps ancien régime. Ainsi, il n’y a pas de bouton pour la fermer. Les six boutons présents sur le devant sont décoratifs. Plus ils sont disposés en V, plus la queue de pie paraitra allurée.

Les revers sont en pointe, toujours, et recouverts de soie. Pour la mienne, ne trouvant pas de gros grain de soie, je me suis rebattu sur un gros grain de tapissier, 100% coton. L’effet est le même !

Il n’y a qu’une seule poche, celle de poitrine pour mettre un mouchoir blanc par exemple.

Les basques doivent arriver juste derrière le genoux. La queue de pie peut être un petit peu plus courte que la jaquette, car elle est fait pour s’assoir et danser et se doit d’être assez légère. Le dos de la basque présente deux plis, un vestige des habits Louis XVI et Louis XV très repliés au dos. La doublure dos en bas dissimule le long de la fente une ou deux poches. Les chefs d’orchestres y dissimulent le baguette !

Le corsage, c’est à dire le haut de la jaquette s’arrête très tôt, environ au nombril. Donc le pantalon doit monter jusque là. Le gilet ne doit sous aucun prétexte dépasser ! C’est un crime punissable ! Donc de nouveau, le pantalon doit monter très haut ! Les bretelles sont impératives. Hélas, ce n’est pas un vêtement pour les gros. Certes sous la IIIème république, les tailleurs étaient capables de prouesses ; c’est plus difficile de nos jours. Regardez d’ailleurs comment certains académiciens portent leur habit…

Le pantalon n’a pas de particularité. Il peut avoir des pinces comme en 1930 ou aucunes comme en 1910. Il est par contre assez étroit en bas. Sur le côté, il doit y avoir un galon assez large (d’origine militaire) ou deux galons de smoking parallèles avec un espace entre.

Le gilet est dont très courts. Quand j’ai coupé le mien, cela m’a même choqué. Quelque chose comme 45cm de haut. C’est plus joli ainsi. Classiquement le gilet est droit, avec trois petits boutons de nacre. Il peut aussi être croisé. Il peut se finir horizontalement, ou avoir des pointes, ou avoir des pointes rondes. Le gilet a toujours des revers, d’une forme caractéristique et il peut être dépourvu de dos pour avoir moins chaud (il ressemble alors à une paire de bretelles avec des pans devant).

ILLUS89-6

Le gilet est par ailleurs toujours en tissu nid d’abeille blanc ou blanc cassé, appelé coton Marcella. Cette matière est utilisée pour le nœud papillon aussi. Gros point d’intérêt ici, l’habit du soir ne se porte avec rien d’autre qu’un nœud papillon blanc. La chemise aussi est blanche, mais lisse. Cela contraste. Ce papillon blanc, illustre descendant des lavallières blanches en dentelle donne par ellipse là encore le nom officiel : ‘cravate blanche’. Par opposition à la ‘cravate noire’ qui désigne le smoking.

Les souliers peuvent être des richelieus vernis ou des opéra pump, plus formels et plus old school aussi.

Les studs, appelés en français goujons et qui servent à fermer la chemise à la place des boutons sont en argent et nacre. L’argent est le métal qui correspond à la queue de pie alors que l’or est le métal du smoking !

Alors c’est bien joli me direz-vous, mais qui utilise encore la queue de pie. C’est vrai. Il existe toutefois deux déclinaisons de l’habit : le spencer et la veste de kilt. Ces deux vestons sont plutôt issus du domaine militaire ou guerrier, comme l’atteste les boutons en métal ou les épaulettes.

Le spencer était très en vogue dans les années 30. Il était assez mal vu chez les civils. Les élégants le trouvaient grotesque. Par contre les militaires le consacrèrent comme le vêtement d’apparat des officiers. C’est encore le cas, surtout au Royaume Uni. Les serveurs et groom des grands hôtels ont très vite utilisé ce vêtement pratique car court. Tellement court d’ailleurs qu’il rend son usage contemporain curieux, notre œil n’étant plus habitué aux pantalons très hauts.

Le spencer peut se fermer devant avec une chainette. Il existe aussi en blanc pour l’été. C’est un vêtement amusant.

ILLUS89-2

Enfin, les écossais qui ont en commun avec les anglais un honorable formalisme ont adopté une coupe revue de la queue de pie pour l’associer au kilt. Si le haut est strictement identique, la basque au dos est très courte, comme une queue de castor. Deux poches en forme de couronne y sont disposées, à la manière des poches carniers sur les vestes de chasse. Les boutons sont carrés.

ILLUS89-3

Il est amusant de constater comment ces vêtements ont évolué. Quel filiation depuis les débuts avant la révolution ! Et encore, ce n’est pas fini. La semaine prochaine, nous verrons comment le smoking est né. Quelle aventure !

La chemise à carreaux

16 novembre 201520 novembre 2015Julien Scavini8 commentaires

Il existe quatre grandes catégories de motifs pour les chemises : l’uni, le rayé, le semé (une nouveauté du reste) et le carreau. Si l’uni et le rayé sont souvent synonymes de chemises habillées et plus formelles, le carreau est plus connoté ‘décontracté’. Etudions ce jour les divers carreaux possibles avec une tenue dépareillée comme du tweed ou même un costume.

Lorsque je décide de porter une tenue dépareillée, comme un pantalon marron avec une veste de tweed, j’aime bien mettre une chemise à carreaux, car l’effet est immédiat. Du moins pour ceux qui sont au fait des règles de la garde robe. Ces règles hiérarchiques sont changeantes suivant les époques mais demeurent dans leur grands principes assez homogènes. Ainsi l’uni est le plus formel, suivi de la rayure parfois à égalité. Viennent ensuite les carreaux puis les nouveaux petits motifs semés s’ajoutent en queue de peloton. La chemise à carreaux est donc le complément de la tenue sport dépareillée.

Ceci dit une chemise à carreaux peut aussi se porter avec un costume. Cet assemblage est porteur de sens également. Si vous travaillez dans une institution très à cheval sur le port du costume, une banque ou un ministère par exemple, s’amuser à porter une chemise à carreaux est en quelque sorte un doux pied de nez aux convenances. Que peu de vos collègues ou supérieurs remarqueront.

On sait – Le Chouan Des Villes n’a cessé de le répéter – que la chemise blanche apparait de nos jours comme un peu trop formelle avec du tweed. Quand à la chemise ivoire, je la décommande, on dirait que vous avez sorti une très vieille chemise. L’effet n’est pas heureux.

Ainsi le carreau se prête mieux aux tenues de tweed que la rayure, surtout lorsque le tweed expose un motif ; et le tweed est souvent à carreaux. Or on le sait tous, chemise rayée et veste à carreaux font mauvais ménage à moins d’être le duc de Windsor ou Dirnelli !

Un carreau avec du tweed, c’est le nec plus ultra. Le carreau apporte une touche de couleur souvent utile pour égayer des couleurs de mousse trop discrètes. Ou alors pour faire un rappel bienvenu d’une couleur du tweed, comme le carreau de la veste par exemple.

Il existe plusieurs sortes de carreaux. Auparavant, j’encensais beaucoup le carreau tattersall. Ces chemises, souvent un ivoire sont couvertes de raies de diverses couleur, en général deux ou trois, par exemple vert, noir et marron. Cela crée de la profondeur visuel et des rappels multiples sur les autres couleurs de la tenue. Mais pour avoir testé de nombreux modèles, la chemise tattersall vieillit énormément celui qui la porte. Non pas qu’elle soit à bannir, mais je pense qu’il y a plus actuel.

Si l’on blanchit un peu le tattersall et qu’on diminue le nombre de couleur, le motif s’actualise. Vous allez me dire, cela n’a plus rien à voir. Certes. Je pense toutefois que c’est d’un goût plus sobre et souvent plus percutant. De la même dimension, un simple carreau violet éveille bien une tenue sportive.

Ces carreaux simples ont ensuite plusieurs dimensions. Le carreau classique fait 1cm de côté environ. Le trait peut être plus ou moins gras. On retombe alors sur la hiérarchie en vigueur pour les chemises rayées. Plus le trait est gras, plus la chemise est décontractée. Ainsi, les carreaux ‘bâtons’ sont moins formels que les carreaux fins. Tous les carreaux ne se prêtent pas à toutes les situations.

De là découlent un classement important des possibles. Le hic est que les coton à carreaux ne sont hélas pas légions dans les classeurs des tisserands. Un vrai regret pour moi. J’apprécie particulièrement les carreaux fin, qui de loin font passer la chemise pour presque blanche. C’est le plus doux et le plus passe-partout. Une simple touche de couleur discrète permet une association intéressante avec les autres tweeds alentours.

Quoiqu’il en soit, l’assemblage veste de tweed avec carreaux simples est idéal. Votre tenue apparaitra ainsi plus urbaine et plus habillée. Un tattersall marqué avec du tweed à l’inverse est très ‘campagne’.

Un carreau un peu marqué en bleu par exemple est aussi idéal avec un blazer ou un costume. Ici le raisonnement est inverse. Ces tenues plus habillées acquièrent immédiatement un aspect plus décontracté par la simple présence de cette touche soutenue. Vous me suivez ?

Les carreaux peuvent être petits ou bien plus grands, il est conseillé de les choisir plutôt discrets. Feu Arnys avait l’habitude de présenter des chemises à grands carreaux. L’effet était à la fois vif mais l’impression de loin était plutôt claire voire blanche. J’aimais ces modèles. Hélas, il est très difficile d’en trouver des exemples de nos jours.

Enfin, les chemises vichy (ci dessous) ou tartan sont très difficiles à mettre, sauf si elles sont seules ou accompagnées d’un pull.

Voilà de quoi vous donner des idées pour cet hiver !

Belle semaine (si j’ose dire!) Julien Scavini

Deux films et une série !

2 novembre 20152 novembre 2015Julien Scavini7 commentaires

J’aime bien de temps à autre vous présenter les trouvailles cinématographiques que je fais. Car il est assez rare finalement de regarder un film ou une série où les acteurs sont correctement vêtus. C’est encore plus vrai lorsque l’opus se situe dans une époque antérieure, le vêtement devenant historique.

Tous les amateurs de beaux vêtements sont ainsi, ils peuvent trouver un film insupportable à voir du simple fait d’une garde-robe médiocre. C’est par exemple le cas de la série Murdoch diffusée par France 3 est qui est censée se dérouler à la fin du XIXème siècle. A côté de la finesse d’un Hercules Poirot, cette production apparait comme extrêmement faible du point de vue vestimentaire.

Un film tourné dans son époque peut aussi prendre un relief particulier des années après. C’est le cas des deux premiers exemples dont je veux parler.

Le premier film fut réalisé par John Landis et se déroule à Philadelphie en 1983. C’est un film presque récent malgré ses 32ans. A la fois proche et lointain, ce qui en fait un document d’archive maintenant. J’ai découvert cette drôlerie cinématographique grâce à Netflix, service ô combien utile pour farfouiller parmi les époques et les styles. Ce film a lancé la carrière d’Eddy Murphy et Dan Aykroyd y tient le premier rôle. Le titre est UN FAUTEUIL POUR DEUX. Évidemment, il ne s’agit pas d’un chef d’œuvre du cinéma, le scénario étant tout au plus amusant et distrayant. Ceci dit on ne perd pas son temps à le regarder.

Le film se déroule dans le milieu de la banque d’affaire, au sein d’une firme dirigée par de vieux frères, les Duke, qui roulent dans une sublime Rolls-Royce Phantom VI grand style. Les deux frères font un pari idiot pour savoir si un riche peut être déclassé socialement et s’en sortir et si à l’inverse un mendiant peut devenir directeur de banque et réussir aussi facilement. Bref, je vous le dis, le scénario ne brille pas.

Toutefois, l’intérêt de la production est ailleurs. Car 1983 a beau être très proche, il y a finalement un monde qui nous sépare de cette époque. Et cela se voit dans les vêtements. Tous les hommes du film ou presque portent le gilet. La plupart des costumes sont des peignés légèrement laineux et tous arborent de belles rayures, plus ou moins fines. C’est l’essence même du costume de l’agent de change, traditionnel et respectable. Le film sent bon les institutions WASP, les frères en sont l’expression, cravate club pour l’un et papillon du même club pour l’autre. On a l’impression de voir une réclame pour Brooks Brothers. Ceci dit, n’oublions pas que Ralph Lauren et consort ont explosé à cette époque. Lorsqu’ils sont dehors, tous les deux portent un pardessus en poil de chameau, l’un droit et l’autre croisé. Avec un chapeau homburg pour finir le tout, c’est visuellement palpitant ! Dan Ayrkoyd de son côté sort vêtu d’un immense manteau croisé à grand col de velours, un ravissement absolument. Eddy Murphy passé de mendiant estropié à rupin dans sa grande demeure avec maître d’hôtel (joué par le très élégant Denholm Elliott) porte quant à lui un très amusant blazer croisé avec grand écusson, le stéréotype absolu, mais quel délice ! Mention spéciale également au détective privé toujours en dépareillé et qui fait honneur aux vestes à carreaux !

Avec ces bons arguments, je souhaite que vous le regardiez car en plus d’un moment de détente agréable en mode rigolade, les vêtements vous raviront vraiment. C’est pour moi presque un chef d’œuvre vestimentaire! D’ailleurs au cours de ma recherche pour cette article, j’ai trouvé un autre blog qui en parle en terme élogieux, comme un des films les plus preppy ! De nombreuses photos vous en convaincront !

Dans le même genre de production ancienne qui a pris avec le temps une valeur vestimentaire intéressante, il existe une série de la BBC tournée en 1990. Celle-ci m’a été soufflée par un client et a été réadaptée récemment aux Etats-Unis avec un succès certain. Il s’agit de HOUSE OF CARDS version BBC 1990. La série relate la succession de Margaret Thatcher au sein du parti conservateur, dirigé à la chambre des Communes par un certain Francis Urquhart interprété par l’excellent Ian Richardson. L’intrigue politique est digne d’un thriller. Le niveau scénaristique est extraordinaire. Et question vestimentaire, tous les amoureux des vêtements des années 90 seront comblés. Le rôle principal lui même est toujours ceinturé dans ses costumes trois pièces sombres. A l’extérieur, il lui arrive de mettre un covercoat olive à col de velours et chapeau feutre gris, une composition très anglaise. Suivant l’importance du personnage secondaires, les costumes sont à rayures ou à motif prince de galles pour un foisonnement visuel très intéressant. Un cran en dessous d’Un Fauteuil Pour Deux niveau vestimentaire mais enthousiasmant quand même.

Enfin le dernier film dont je veux parler n’est pas encore sorti. Pourtant, il m’apparait déjà comme un chef d’œuvre. Il a en tout cas tout pour l’être! D’abord des pointures sont à l’écran : Helen Mirren, John Goodman et l’inénarrable Bryan Cranston. Deuxièmement l’époque et le lieu – car c’est un film d’époque à la différence des deux précédentes références – sont porteurs vestimentairement parlant : les années 40 et Hollywood ! Souvenons-nous émus de The Artist se déroulant un peu plus tôt… Troisièmement car à la première à Toronto en septembre, la standing ovation fut longue de 5 minute ! Il est annoncé en France pour janvier 2016, un peu retardé par rapport à sa date initiale. Le titre est TRUMBO. Le film raconte l’histoire d’un scénariste célèbre d’Hollywood évincé à cause de ses sympathies communistes. Si je ne peux pas en dire beaucoup pour le moment, la bande annonce que voici mettra l’eau à la bouche à tous les amateurs de vêtements. Je ne peux plus attendre en ce qui me concerne ! Jugez-vous même de l’éclat visuel :

Belle semaine, Julien Scavini

La canadienne

19 octobre 201521 octobre 2015Julien Scavini13 commentaires

Le froid est revenu et depuis que j’ai un scooter, chose véritablement libératrice lorsque l’on vit à Paris, j’ai froid ! Ce nouveau mode de vie m’a poussé subitement à abandonner le manteau, pourtant si agréable et élégant. Fini le drap de laine et cachemire, les cols en velours et la longueur généreuse, car assis, cela ne fonctionne pas ! Mince alors. Je n’y croyais pas beaucoup du reste, mais force est de constater que dès 30km/h, il gèle!!!

Je me suis donc intéressé au vestiaire ‘sport’ ou ‘militaire’ moderne et ancien. Bien évidemment, il est toujours possible de prendre une doudoune rembourrée de plume, LE vêtement du moment (on s’excuse (et on s’alarme) auprès des oies, parfois plumées vivantes en Chine). Canada Goose, Schott NYC et Pyrenex apparaissent comme les faiseurs historiques de ce vêtement dont les premiers exemplaires remontent aux années 40. A l’époque on l’appelait plutôt parka bien que le matelassage caractéristique soit arrivé plus tard. Les prémices de ce vêtements se trouvent dans les vêtements ‘bibendum’ des pilotes civils et militaires des années 20 et 30, qui portaient des manteaux tout en mouton retourné (poil laineux vers l’intérieur et capuche en fourrure). L’excellent livre Vintage Menswear de Sims, Luckett & Gunn aux éditions Laurence King montre de nombreuses pièces de la sorte.

Récemment, je lisais un article sur Alain Juppé qui racontait son mode de vie et ses rites bordelais. Au détour d’une phrase était citée sa fameuse canadienne verte, un peu défraichie, qui ne le quitte pas. Je me suis alors demandé ce qu’était une canadienne. Pour moi, le mot sonnait très années 90. Quand j’étais petit, il allait de paire avec la cagoule et autres errements vestimentaires. La canadienne… voici bien un vêtement vintage.

Au cours de ma petite recherche, j’ai découvert que ce vêtement est arrivé en France durant les années 30. Jean Gabin et Jean-Paul Belmondo dans Un Singe en Hiver réalisé par Henri Verneuil en 1962 portent une canadienne. Le vêtement est caractérisé par sa longueur à peine trois quart, ses poches ventrales, son boutonnage croisé et son col châle très enveloppant réalisé en feutre de laine dense, quand le corps est plus souvent en gabardine imperméable de coton ou de laine. Le col recouvert de laine de mouton est venu plus tard.

En France, nous l’appelons canadienne car c’est certainement de là-bas que les premiers modèles furent importés. Le vêtement puise en effet son origine autour des grands lacs Michigan et Huron. Plus précisément, ce manteau court fût développé et commandé vers 1811 pour vêtir les militaires d’un camp anglais, le Fort Saint Joseph. Il fut réalisé par des amérindiens qui lui donnèrent le nom de mackinac ou mackinaw d’après l’appellation du passage reliant les lacs Michigan et Huron, le détroit de Mackinac. Par la suite, les trappeurs et marchands rendirent populaires le modèle, chaud et utilitaire. Dans les années 20, il était très populaire, en particulier après des bûcherons et autres travailleurs en extérieur. L’armée américaine utilisa le modèle dès la première guerre mondiale et en 1938, le vêtement devint officiellement un uniforme, teinté en vert olive. La mackinaw pris le nom de Jeep coat.

Au début du siècle, les canadiennes étaient réalisées en cuir de cheval, car c’était le cuir le plus résistant qui soit. Les chevaux étaient abondants, car ils servaient à la ferme et en ville pour tracter les véhicules. Avec leur disparition progressive, le cuir devint plus cher et il fut abandonné. Cela en faisait le vêtement par excellence des travailleurs des pays froids. La goodyear Rubber Company fabriquait des exemplaires non croisés en cuir de cheval.

De nos jours, ce vêtement est un peu tombé en désuétude, même si quelques maisons en éditent de temps à autre, comme Gap. Son aspect un peu militaire, dû en partie à la couleur olive, rend la canadienne populaire auprès des jeunes. Pour autant, il n’est pas le vêtement le plus élégant qui soit. La pièce est charmante ceci dit, surtout lorsque l’on voit son patronage, ci dessous. Ma quête continue donc !

Pour les amateurs donc, le tracé par Ladevèze–Darroux 1966 :

Belle semaine, Julien Scavini

Pensées italiennes

12 octobre 201513 octobre 2015Julien Scavini3 commentaires

Je suis récemment allé à Florence. J’ai donc vu la ville du Pitti. Formidable! Très jolie ville bien que remplie de touristes. J’ai cependant noté assez peu d’italiens élégants je dois dire. Y compris les boutiques, je n’ai rien vu de notable, alors même que je pensais revenir avec des photos de vitrines comme je l’avais déjà fait il y a plusieurs mois. Tant pis.

Ceci dit, je me suis plongé dans la culture italienne et en particulier celle de la Renaissance, Florence étant par excellence la ville du renouveau éclairé. Les Médicis ont fait de cette cité un joyau serti de tous les arts, sculpture, peinture et architecture. L’occasion de bâtir une petite réflexion que je m’empresse de vous livrer, faisant lien entre l’ancien et le moderne, les arts et le vêtement, les italiens et le reste du monde. Tout est venu à partir de la visite des jardins de Boboli où notre guide évoquait la question du maniérisme.

Vous savez, sur ce blog en particulier, j’aime caractériser les choses. Le vêtement est fait de code. Et ces codes peuvent être tempéré par un style particulier, personnel ou local. Le style italien que l’on voit au Pitti, très démonstratif et fait de mélanges est à ce sujet plein d’attrait. Qu’en dire? Comment le dire? Comment le reproduire? Autant que de questions que je me suis amusé à compiler sous une même hypothèse stylistique. Presque une hypothèse d’esthétique !

Ainsi nous dit notre guide à propos d’abord du Palais Pitti et en rapport aux nombreux chefs-d’œuvre déjà vu dans Florence, le maniérisme des années 1530-1550 désigne le travail des élèves de grands maitres, peintres et sculpteurs, travaillant leur art ‘à la manière de’, soit pour finir des œuvres, soit pour en créer de nouvelles. Ce faisant, ces élèves s’éloignent peu à peu de l’idéal de leur illustre prédécesseur qui était celui de la perfection et de la règle. Le maniérisme, c’est donc l’histoire d’une suite et d’une rupture.

J’ai alors échafaudé une certaine théorie dans ma tête qui s’adapte bien au goût ‘tailleur’ italien actuel, en opposition au goût ‘tailleur’ anglais et français. Ainsi, le style anglais et français classique serait celui de la règle et de la continuité, alors que le style italien serait celui de la rupture.

Mais avançons encore dans le raisonnement.

Le maniérisme, c’est donc ‘à la manière de’. Cette façon très italienne de penser vise à continuer, à reproduire. Mais dans la copie, les maniéristes italiens introduisent un changement qui leur est propre. Le maniérisme, c’est l’introduction d’un dynamisme, d’une licence (au sens ‘d’un droit à’) et en bref, d’une bizarrerie. Dans le maniérisme, il y a un côté moins équilibré.

Je trouve que l’analogie avec le goût tailleur est très intéressante.

Car par exemple, cette manière de penser est très différente de la façon française qui vise plus l’ordonnance et la proportion par exemple. Le français et l’anglais de surcroit pourraient paraitre plus mesurés, plus équilibrés.

Le style anglais (et français par extension) est fait pour aider. C’est ce que je fais sur mon blog en permanence. Mais le goût italien est fait pour confondre. Vous comprenez ?

Les élégants et parfois ridicules italiens (au goût des autres classiques qui pourtant les regardent goulument) que l’on voit en photo au Pitti sont des maniéristes, au sens d’une réaction à la perfection atteinte auparavant au Royaume-Uni et ailleurs. Un changement léger mais introduisant du bizarre, dans la continuité. Ce changement eut lieu en plusieurs phases. D’abord par la copie des techniques. Dans les années 50, les petites industries italiennes se sont structurées pour produire des vêtements dans un goût parfaitement anglais. Dans les années 80, les grands noms comme Valentino ou Cerruti ont même pris le dessus, à tel point que Brioni habillait James Bond ! Puis, à ‘cette manière de’ a succédé une phase plus typiquement italienne, récupération actée puis transformée.

Pour paraphraser wikipédia, j’ajouterai même que le maniérisme contemporain et sartorial se caractérise comme un art de répertoire, où les artistes et les figures de prou telles que Gianni Agnelli, Lino Ieluzzi et Luca Rubinacci puisent chez Edouard VI ou le Prince Charles des formules pour définir leur vocabulaire spécifique. Le maniérisme sartorial est donc un jeu artistique de l’emprunt (la montre gousset du banquier) mais aussi un jeu de codes et de symboles souvent troubles (les gants dans la poche, le 7 brodé sur la cravate). Dans le dessin ci-dessus, aucun vêtement en particulier n’est bizarre. Mais leur assemblage peut le paraitre.

Pour terminer, si l’on imagine que l’histoire se repète toujours (mais en l’occurrence sur un registre et une temporalité différente), on pourrait émettre l’hypothèque qu’un retour de bâton viendra un jour. Car les clients pourraient reprocher aux ‘artistes’ ce maniérisme à l’aspect un peu artificiel. Le jeu est-il fait pour durer ? L’avenir s’annonce passionnant !

Sur ces réflexions très ‘chouannesques’, je vous laisse penser et vous souhaite une belle semaine.

Julien Scavini

L’accord des chaussettes

28 septembre 201513 octobre 2015Julien Scavini19 commentaires

Voici une question qui m’a toujours semblé assez logique mais qui revient assez souvent chez mes interlocuteurs : comment accorde-t-on ses chaussettes. Cela ne doit donc être pas si évident que cela. Essayons de dresser un inventaire des possibles et une règle d’usage.

Il existe deux cas de figure : vous êtes en costume ou alors tenue dépareillée. Étudions la première.

Je postule de mon côté que le port du costume signifie usage de souliers noirs. C’est le plus formel en ville. J’ai recours à deux types de chaussettes alors : noir le plus souvent ou marine si le costume est bleu. C’est très simple.

Il m’arrive aussi de mettre des souliers marron, en veau-velours avec certains costumes, bleus en particulier. Alors, j’ai recours à des chaussettes marine, rarement marron. Ma tenue est un peu décontractée certes, mais ce serait bien trop osé pour moi de mettre des chaussettes marron là, trop sport.

Vous me direz, si le costume est gris et que les souliers sont marrons. Vous me mettez dans l’embarra. (!) Je ne sais que penser des souliers marron avec un costume gris, mais je m’adapte. Des chaussettes grises me semblent le plus logique (*1).

Tirons une première règle simple : en costume, la chaussette peut être noire ou de la couleur du costume avec des souliers noirs et simplement de la couleur du costume avec des souliers marrons. Car la chaussette marron sous un costume est trop sport. Cela sous-entend que je fais référence à un costume dans un coloris urbain, c’est à dire un costume soit bleu soit gris. Un costume marron dans le goût de Berluti appelle des chaussettes marron. Si les nuances de marron sont fortes, un modèle irisé du genre de ce que fait Gallo est idéal.

Passons au dépareillé.

Avec une tenue sport dépareillée, le problème peut être résolu simplement. Car qui dit ‘dépareillé’ dit… souliers marron. Il y a des règles absolues ! La chaussette peut alors être marron. Simple et efficace.

Mais la tenue dépareillée fait cohabiter assez souvent le pantalon gris (de laine froide l’été ou de flanelle l’hiver) avec une paire de chaussures marron. La chaussette grise pourrait alors apparaître comme une possibilité. Sauf qu’à la différence d’un costume gris sur des souliers marron (voir *1 ci dessus), je trouve maintenant la chaussette grise trop habillée.

Si votre pantalon est beige, une chaussette beige est idéale et est complémentaire de la chaussure marron. Si votre pantalon est vert, une belle chaussette verte est idéale aussi. Bref, les couleurs des feuilles vont bien.

Si la tenue dépareillée est un blazer associé à un pantalon gris et souliers marrons, une chaussette marron ou bleu semble bien. Mais vous pouvez être tenté d’associer le blazer à des souliers noirs pour une occasion qui le réclame. Dès lors, la chaussette grise re-paraît une option plus envisageable. Vous voyez la hiérarchie ?

Deuxième règle simple : en tenue sport, avec des souliers marrons, les couleurs de feuilles dont le marron sont idéales pour les chaussettes, y compris si le pantalon est gris.

Vous me direz, avec ces règles, difficile de se faire plaisir. Et c’est très vrai. Le répertoire des chaussettes depuis quelques années s’est étoffé. Et aux religieux nous avons piqué leurs chaussettes. Le rouge et le pourpre sont superbes. Avec une mise urbaine sombre et classique, cette petite touche de couleur est de bon aloi. Attention toutefois, elle ne doit jamais – ô jamais – être un alibi de style. Avoir des chaussettes colorées à 20€ la paire et présenter un vieux costume affaissé et des godillots avachis est le pire qu’il soit possible de faire. On pourrait croire que vous sortez du XVIème … Non, si vous avez de l’argent, c’est votre costume qui doit présenter bien. Si vous n’avez pas trop de moyen, inutile de flamber alors avec des chaussettes de couleur. Car les chaussettes de couleur sont un signe extérieur fort. Je ne dirais pas un signe extérieur de richesse, mais c’est ostentatoire, tout simplement. Restez raisonnable, l’élégance est le raffinement dans la discrétion. Pas le raffinement dans l’étalement.

La chaussette de couleur peut donc compléter un costume. L’anthracite s’accorde à merveille du rouge pontifical quand la chaussette pourpre fait merveille associée à du marine.

Troisième règle plus élaborée : la chaussette rouge ou pourpre va avec tout mais pas avec n’importe qui.

Au delà ces règles qui tournent autour du triptyque chaussure, chaussette et pantalon, il peut être intéressant d’utiliser cette discrète cheville couverte pour rappeler une couleur de la tenue.

La chaussette peut ainsi faire un rappel de la cravate ou de la pochette, sans jamais être tout à fait sur le même ton. Le camaïeu oui, mais juste un peu ! Cela égaye le costume sans faire trop. Cette chaussette peut aussi rappeler un motif de la veste sport, comme un discret carreau coloré ou une coudière. La chaussette peut enfin apporter une couleur complémentaire ou un motif sous-jacent, comme c’est souvent le cas des tenues sport aux coloris de feuilles mortes et aux motifs élaborés (carreaux, vichy, pieds de poule, paisley etc.) On rejoint alors les règles d’usage pour la pochette. Il faut relire Parisian Gentleman à ce sujet.

Quatrième règle élaborée donc : avec les chaussettes colorées ou à motif, on fait ce qu’on veut ! Mais attention, seul des années d’expérience vous feront toucher du doigt les usages et les limites d’un tel exercice. Vous êtes alors le peintre de votre tenue ! C’est à vous de jouer.

Belle semaine, Julien Scavini

PETITES CONSIDERATIONS SUR LA COUPE DU PANTALON

14 septembre 201515 septembre 2015Julien Scavini19 commentaires

Les plus attentifs d’entre vous, les plus âgés aussi ont peut-être remarqué qu’aujourd’hui, on ne coupe plus les pantalons comme avant. Le tomber est différent. Je vais essayer d’expliquer ce qu’il s’est passé en 30 ans à ce sujet, car cela me questionnait aussi. Je suis arrivé à mes conclusions après plusieurs mois de recherches, qui m’ont amené à interroger des vieux tailleurs et des modélistes et techniciens d’industrie. Les réponses furent incroyables parfois !

L’article suivant est assez suggestif, je m’en excuse, un chat est un chat, surtout qu’il s’agit d’évoquer des points techniques.

Tout commence par une interrogation à propos du port à droite ou à gauche du sexe dans le pantalon. Les plus âgés de mes clients formulent souvent cette demande, car montant le pantalon assez haut, un excès de tissu se forme du côté opposé le long de la braguette. Ce pli de tissu est assez ardu à faire partir sur un pantalon terminé, mais pas impossible, c’est une retouche que je fais assez souvent. Dans un pantalon à plis, qui possède plus d’aisance, à cause du pli justement, ce bourrelet de trop est plus visible encore (le plus souvent à droite, car 80% des hommes portent à gauche. D’ailleurs la vieille blague tailleur consiste à dire que quand on porte à gauche on vote à droite et inversement. Les tailleurs sont plutôt à droite par ailleurs…)

Pour comprendre cette altération droite et gauche mal gérée industriellement, je me suis mis à coudre des toiles. Je me suis alors servi de livres de coupe. Et entre une coupe tailleur des années 60 et une coupe actuelle, c’est le jour et la nuit. Quelles différences, pour quelles implications ?

La coupe la plus ancienne propose de couper la ligne milieu devant le long d’une verticale. La braguette est dite droit-fil. A peine donne-t-on un peu de fruit (de pente) d’un côté pour gérer droite et gauche. Vous découvrez sur les deux illustrations ci-dessous le plan de coupe. C’est assez difficile à comprendre, tant le pantalon est en volume.

La coupe moderne donne en revanche de la pente à la ligne milieu devant. La braguette se retrouve en biais. Ce constant est corroboré par un bermuda de surf que j’avais démonté il y a quelques temps pour en tirer un patronage. La ligne devant est oblique. Cela donne du volume, alors même que (-hypothèse-) on en a pas besoin à cet endroit, plutôt vertical.

Diantre, quelle différence donc et pourquoi ?

J’ai testé la vieille coupe. Elle m’a donné un pantalon très ample, une ligne à la Gabin. Parfaite mais immense. J’ai alors commencé à réduire sa cuisse et donc sa pointe comme on dit en tailleur. Mais très vite, la position sur les hanches est devenue inconfortable et je me suis senti serré, sans pour autant avoir une cuisse bien fine. Cette coupe ne permettait pas de faire la coupe ajustée moderne.

Avec la coupe moderne, le pantalon était prêt de la jambe, idéal, avec un peu de volume devant, que l’on appelle moustache dans l’industrie.

Par ailleurs, le pantalon ancien avait une façon d’emboiter le côté (le rond de hanche) très curieuse. On avait l’impression que l’on allait pas pouvoir entrer dans le pantalon, il paraissait étroit à la ceinture, alors que pas du tout en réalité. Il emboitait bien et montait haut. La coupe moderne elle ne m’a pas questionnée plus que ça.

Voici des considérations et ressentis très techniques allez-vous me dire. Je vais aller au but maintenant.

J’ai donc appelé des spécialistes pour corroborer mes hypothèses, car j’en avais déjà. Deux points sont captivants et renvoient à une certaine vision du monde : la sexualité et le commerce.

la braguette a été coupée en biais car on a fait descendre la hauteur des pantalons. On les a fait plus taille basse. Un peu ou beaucoup. Un premier problème s’est posé : avec une taille plus basse, la ceinture étant anatomiquement bloquée par l’os de la hanche (le pantalon ne pas pas descendre plus bas), cela attire le fond de pantalon vers le haut, réduisant l’espace de l’entrejambe. Dans le même temps, on a voulu affiner la cuisse pour faire plaisir aux messieurs. Pour régler ces deux problèmes conjugués et pour équilibrer la coupe, on a transferrer de la pointe arrière vers l’avant.En même temps que l’on a baissé la taille, l’homme s’est mis à porter slip et boxer, pour un port au ‘centre’. Donc inutile de porter le pantalon à gauche et à droite. En revanche, avec un montant bas, il se posait un problème de place pour le pubis comme je l’ai dit. L’agrandissement de la pointe avant sert cette problématique. J’espère que vous suivez, c’est très technique.C’est l’industrie du jean qui a été précurseur. C’est elle aussi qui mène la danse. Certaines marques comme Diesel l’ont bien compris, le jean doit mettre ‘le paquet’ en avant (la photo dont le dessin ci-dessous est issue ne ment pas !). C’est de l’hypersexualisation. La toile de denim est très rigide, vous le savez. Et bien en réduisant la hauteur de port et en coupant en biais la braguette, on donne l’impression de volume. C’est très baroque finalement. Nous revenons à la Renaissance où les braguettes étaient rembourrées. Une braguette de jean est en plus faite de plusieurs couches et de beaucoup d’épaisseur. Cela donne même assis un volume, une protubérance recherchée par les modélistes pour l’œil des clients. Vous avouerez quand même, c’est cocasse et amusant ! Ce phénomène se renforce aussi grâce au travail des fabricants de sous-vêtements boxer, qui cherchent à soutenir voire à projeter l’entrejambe en avant, plutôt qu’en dessous, comme Aussiebum par exemple. N’en déplaise à Eric Zemmour, il est amusant de constater que l’homme occidental se sexualise. C’est vous l’avouerez une conclusion drôle à ma recherche. Une pure question d’orgueil masculin.

le second point de détail m’est apparu au sujet du rond de hanche beaucoup plus exacerbé sur la vieille coupe (comparez les plans en haut). En effet, la braguette étant verticale, la force de pince (c’est à dire la valeur de tissu que l’on retire pour arriver à la ceinture, plus petite que le bassin) est passée sur le côté. La poche se retrouve dans une couture très ronde sur la coupe ancienne. Ce n’est pas le cas dans la coupe moderne, où la valeur de pince est un peu passée sur le devant (on profite de la pente de braguette). Mais, un pantalon dans la vieille coupe ne se pose pas forcément bien à plat, car il a du volume sur le côté, il est rond. Intolérable dans le prêt à porter où les pantalons doivent être plan pour figurer bien en évidence sur des tables. C’est ainsi que l’on a aplani le rond de hanche (et répercuté la valeur de pince sur la braguette en la penchant), pour mieux vendre le pantalon présenté plié, c’est ce qu’on appelle dans l’industrie de ‘fold appeal’ . Un truc commercial a donc présidé à l’évolution de la coupe. C’est aussi vrai pour la veste, dont les manches sont montées très en avant (ce qui crée des plis derrière la manche lorsqu’on la porte) pour satisfaire le ‘hanger appeal’, c’est à dire la beauté sur cintre, qui vous fait acheter.

A votre échelle, vous pouvez voir comment votre pantalon est coupé (il y a de forte chance pour qu’il le soit de manière moderne), il suffit de regarder comment tombent les rayures à la braguette. Si elles sont verticales, la coupe est ancienne. Si au contraire les raies arrivent penchées, il s’agit de la coupe modernisée. Elle donne un confort supplémentaire assis avec des sous-vêtements modernes (son corollaire étant un petit manque de netteté, les fameuses moustaches). Donc par exemple, un caleçon avec un pantalon moderne n’est pas logique.

Vous le voyez donc, à partir d’un tout petit questionnement, on arrive à des conclusions très amusantes. Il y aurait un thèse à faire sur ce sujet tant il est vaste. C’est surtout le questionnement sur la place de l’entrejambe dans le pantalon qui aura le plus attiré mon attention, car il renvoie à des considérations historiques passionnantes et à une expressivité corporelle dont on parle peu. Et oui, un jean de nos jours, c’est fait pour mettre le sexe en valeur ! Quelle conclusion !